[Interview] Bobby Wratten (Lightning In A Twilight Hour, The Field Mice…) 2e partie

Bobby Wratten se confie dans cette seconde partie de notre rencontre sur sa manière d’appréhender la composition mais revient aussi sur son passé au sein du label mythique Sarah Records, sur la genèse de ce qui devait devenir une carrière.

© Beth Arzy

Chacun des mots ici prononcés par l’ancien leader des Field Mice et de Trembling Blue Stars semblent pesés, réfléchis avec ce sentiment certain de percevoir derrière ces paroles un être humble à l’écoute des autres comme de lui-même, cette empathie que l’on entend dans toutes les chansons d’Overwintering, le second volet de son nouveau projet Lightning In A Twilight Hour.

Dans une interview, vous expliquiez que Northern Picture Library était un groupe un peu en réaction aux climats des chansons de The Field Mice souvent tristes, que vous aviez envie d’explorer d’autres territoires. Avez-vous le sentiment d’être encore dans une forme de réaction avec Lightning In A Twilight Hour ?

Bobby Wratten : Avec The Field Mice, nous avons grandi sur disque. Dans la mesure où nous étions visibles, nous apprenions en public. C’était très primitif, et comme je l’ai déjà dit, incroyablement naïf et assez conventionnel. Donc, Northern Picture Library a été une chance pour moi et Anne Mari d’explorer d’autres domaines. D’enlever les chaînes, pour ainsi dire. Par conséquent, nous avons perdu la plupart de notre public, mais ce n’est pas grave !The Field Mice reste le projet le plus réussi dans lequel j’ai été impliqué, même si une grande partie de cette popularité est venue bien après que le groupe ait cessé d’exister. Étant donné ma nature autodestructrice, il est normal que je réagisse encore à cette musique. Mais aussi, il est tout à fait naturel que je ne veuille pas faire le genre de musique que je faisais quand j’avais une vingtaine d’années. Mes goûts sont tellement plus larges maintenant et le genre de musique que The Field Mice a fait ne m’intéresse pas. Je veux juste continuer à chercher et inventer. C’est pourquoi j’espère qu’il y aura un troisième album. Je sens qu’il y a un endroit juste derrière l’horizon que je veux atteindre.

A vous lire dans différentes interviews, je vous sens mal à l’aise avec l’héritage Sarah Records comme si vous craigniez d’être piégé dans une image réductrice. Y-a-t-il de cela ?

Bobby Wratten : Oui, c’est vrai. Sans Sarah, je n’aurais certainement jamais eu la chance de faire des disques et je lui en serai éternellement reconnaissant. Mais ça ne va pas plus loin. Je ne veux pas regarder en arrière. Je préfère minimiser le lien. Je ne suis pas du tout nostalgique de cette époque. J’ai presque peur de regarder en arrière, car cela ne sert à rien.

Je comprends cependant que Sarah Records reste la seule et unique chose à laquelle la plupart des gens, s’ils me connaissent un tant soit peu, m’associent. Personnellement, je ne veux pas aller dans ce sens et je choisis de l’ignorer. Principalement parce que ce n’est pas un type de musique qui m’intéresse de quelque façon que ce soit. J’accepte le lien mais je préfère le laisser dans le passé.

Avez-vous conscience d’avoir laissé de grandes traces, une influence avec ce label auprès d’autres musiciens plus jeunes ?

Bobby Wratten : Ma partenaire Beth Arzy me fait parfois écouter des morceaux qui trahissent une certaine influence. Donc, dans cette mesure, je suis conscient et il est également évident que Sarah Records est plus populaire que jamais. D’autant plus qu’il n’y a plus de presse musicale qui fait office de garde-fou. La musique est disponible et les gens se font leur propre opinion. Ils n’ont pas besoin qu’un journaliste de Londres leur dise que c’est bien d’écouter cette musique mais que cette musique est interdite. Quant à l’influence sur les jeunes musiciens, c’est comme ça que fonctionne la musique pop. Quand j’ai commencé, je reflétais les choses que j’écoutais et la musique que j’aimais. En fait, je le fais toujours.

Comment s’est faite cette rencontre avec Clare Wadd et Matt Haynes ?

 Bobby Wratten : The Field Mice ont enregistré une démo en novembre 1987. À cette époque, j’ai entendu et acheté Pristine Christine de The Sea Urchins. Peu de temps après, j’étais chez un disquaire et j’ai vu I’ve Got a Habit de The Orchids. J’ai remarqué qu’il était sur le même label que Pristine Christine et je me suis dit qu’il s’agissait d’un label qui en était à ses débuts. Par conséquent, peut-être seraient-ils encore enthousiastes à l’idée de recevoir des bandes démo. J’ai donc envoyé une cassette à l’adresse de Bristol et, à ma grande surprise, Matt m’a répondu de suite par courrier. Je n’avais aucune connaissance réelle de l’histoire qui a mené à Sarah, si ce n’est que John Peel a planté le décor lorsqu’il a joué Pristine Christine.

Matt m’a fait remarquer à juste titre que nos chansons étaient un peu sinueuses, mais il m’a aussi encouragé. Nous avons donc enregistré une deuxième bande démo pour Sarah seule. Cette fois, Clare et Matt nous ont demandé de faire un disque et nous les avons rencontrés pour la première fois le 10 septembre 1988 lorsque nous avons enregistré le premier single. Il s’est avéré que Clare et Matt préféraient la démo d’Emma’s House et c’est ce qui s’est retrouvé sur le disque malgré nos doutes à Michael et moi. Mais à ce stade précoce, nous n’étions pas en position de discuter et au final, la nouvelle version manquait un peu de souffle et avait perdu un peu de la force de la démo.

Vos débuts avec The Field Mice ont été un peu compliqués, la presse n’a pas été tendre au début avant d’adhérer enfin à votre vision. Quels souvenirs conservez-vous de cette période ?

 Bobby Wratten : C’était excitant car tout était nouveau pour nous et tout se passait pour la première fois – premier test de pressage, premier disque, première interview à la radio, première émission de radio, et le plus important, tout cela se passait avec mon meilleur ami. C’était ce que nous avions toujours voulu faire. À l’époque, la presse musicale avait encore beaucoup de pouvoir. Cela n’avait pas toujours d’importance, car les groupes qui faisaient l’objet d’un battage médiatique n’avaient souvent pas d’impact et d’autres groupes qu’ils ignoraient trouvaient de toute façon leur public. Mais les critiques étaient importantes pour faire savoir aux gens qu’un disque existait. Notre premier single a reçu une critique terrible dans le Melody Maker (notre toute première critique), une critique correcte dans le New Musical Express et ensuite une bonne critique dans Sounds. Nous avons donc réussi à être chroniqués dans les trois journaux, ce qui était un bon début. Le deuxième single a reçu beaucoup plus d’attention. Une critique brillante dans Les Inrockuptibles et nous sommes même passés dans le Record Mirror, plus orienté pop.

Évidemment, nous n’avons jamais été les chouchous de la presse et nous étions généralement considérés avec suspicion.  Mais nous avions nos supporters et nous obtenions les singles de la semaine. Le Melody Maker a commencé à s’intéresser à nous, mais le NME n’a jamais voulu faire de reportage sur nous. Entre le premier disque et le dernier concert, il s’est écoulé trois ans et pendant cette période, nous nous sommes bien débrouillés du point de vue de la presse. Mais on a surtout rencontré un succès d’estime à l’époque.

Vous avez fait partie de ces groupes qui ont forgé le son Sarah Records, pourtant vous êtes le premier à ne pas vouloir être enfermé dans cette image. C’était quoi ce son Sarah Records et qu’avait-il de nouveau à l’époque ? Est-il encore un peu présent dans votre musique aujourd’hui ?

 Bobby Wratten : C’est une question délicate. D’un côté, je dirais qu’il n’y avait pas vraiment de son Sarah Records dans la mesure où les groupes faisaient tous leurs propres trucs et que personne n’aurait considéré qu’ils adhéraient à un son particulier. Cependant, je comprends aussi ce que vous voulez dire. Dans le grand schéma des choses, il n’y avait pas beaucoup de variété dans la musique publiée par le label. C’était un domaine très particulier. On en revient vraiment aux petits détails. Ce groupe est un peu shoegaze tandis que ce groupe a un élément riot girl tandis que ce groupe a un léger côté punk . Mais en fin de compte, c’était de la pop à base de guitare.

Quand The Field Mice se sont séparés, je voyais autour de nous des groupes beaucoup plus aventureux et cela a nourri tout ce que j’ai fait depuis. Nous explorions de nouveaux domaines avec Missing the Moon, mais à l’époque, j’ai ressenti le besoin de commencer quelque chose de nouveau et de regarder vers l’avant dans d’autres domaines. Depuis, je n’ai jamais cessé d’explorer. Le son de Sarah Records, tel qu’il était, pouvait être considéré comme légèrement démodé, même à l’époque, compte tenu de ce qui se passait dans la musique, que ce soit la Dance music, Spirit of Eden et Laughing Stock ou Loveless ou Spacemen 3.

Les éléments qui restent présents aujourd’hui sont ma voix et mon jeu de guitare, même si j’ai tendance à utiliser la guitare comme un générateur de sons plutôt que comme un instrument rythmique et principal. Anne Mari et Michael apportent toujours des pièces reconnaissables au puzzle, mais tout le monde a évolué et nous n’avons pas l’intention d’utiliser des sons qui pourraient immédiatement nous ramener à nos anciens groupes. Une chose cependant, je ne saurais trop insister sur le fait que ces différences peuvent passer inaperçues pour l’auditeur occasionnel.

Quelles étaient vos intentions de départ au moment d’entamer le travail d’Overwintering ?

 Bobby Wratten : Je suis toujours un peu méfiant quand les gens ont des raisons précises pour les choses qu’ils font. C’est presque comme si l’intention était arrivée après coup. La réponse honnête est que je me sentais prêt à faire un autre disque. Je n’avais que deux chansons mais je sentais que beaucoup d’idées faisaient surface et je me sentais inspiré et créatif.

J’ai réservé le studio et j’y suis entré le premier jour avec une batterie et quelques séquences d’accords. Ian (mon producteur) et moi sommes partis de là et avons commencé à travailler sur chaque nouvelle idée que j’apportais au studio. Au début, c’était très indéfini. Nous ne faisions que capturer de la musique nouvelle et intéressante. De nouvelles voies.

Dans le communiqué de presse qui accompagne l’album, il est dit que certaines chansons sont arrivées dans leur forme définitive et que d’autres étaient plus ouvertes à la création de nouvelles formes. Comment se sont passées ces sessions d’enregistrement ?

 Bobby Wratten : Comme je l’ai mentionné dans la réponse précédente, le premier jour, je suis arrivé avec une idée de motif de batterie et une série d’accords. Rien de plus. Même cela a changé car nous avons fini par échantillonner de la guitare improvisée. Des éléments ont donc été écartés. Nous avons ensuite créé une structure de base à partir d’une partie de la musique improvisée et en conservant l’une des séquences d’accords. Nous avons alors commencé à travailler sur cette structure comme cadre pour la chanson qui est devenue Delphinium. Slow Motion Spirits, Natural Light et Lincoln Green ont également commencé de cette manière. J’emportais la musique chez moi et je commençais à écrire les paroles et les mélodies vocales. C’était incroyablement rafraîchissant car je n’avais aucune idée de ce à quoi ressemblerait la chanson terminée lorsque nous avons commencé à enregistrer la musique. Pendant l’enregistrement, j’écrivais également à la maison, ce qui m’apportait de nouvelles chansons. Au tout début, j’avais deux chansons complètes, mais nous ne nous en sommes pas occupés pendant un certain temps. Il s’agissait de ce nouveau processus.

Les artistes parlent souvent d’un facteur déclencheur, d’une chanson qui amène toutes les autres sur un disque, qui lui donne sa cohérence. Y-a-t-il une chanson comme celle-là sur le disque ?

Bobby Wratten : Je ne le pense pas. Je pense toujours en termes d’album. Je vois toujours un disque comme une expérience d’écoute complète du début à la fin, malgré la façon dont la musique est maintenant consommée. Donc, l’ordre des chansons est toujours important. J’ai toujours perçu Don’t Let the Times Define You comme une  une chanson de fin de disque, presque un résumé, bien que cela n’ait jamais été intentionnel. Anne Mari a suggéré de commencer par Lincoln Green.  L’idée est qu’elle plante le décor, qu’elle ressemble à une introduction au monde de ce disque. Un paysage qui émerge lentement. Il y a donc des idées sur la place des chansons dans l’histoire du disque, mais il n’y a pas une seule chanson qui relie le tout. Je n’ai jamais vraiment travaillé de cette façon ou eu cette expérience.

Pouvez-vous nous parler de la pochette du disque, une peinture de David Toop ? Pourquoi ce choix ?

 Bobby Wratten : C’est encore une fois liée à ma partenaire Beth Arzy. Elle a attiré mon attention sur cette peinture alors qu’elle était toute récente. J’ai immédiatement convenu avec elle qu’elle ferait une couverture de disque parfaite. Puis deux choses se sont produites : Beth m’a offert le tableau et David Toop nous a donné la permission de l’utiliser comme pochette. Dans le passé, la plupart des illustrations étaient assez neutres, mais dans ce cas, je pense que l’image capture la musique. Bien sûr, c’est une pure coïncidence puisque la musique a été écrite avant que je ne voie le tableau. La peinture est abstraite, douce et subtile. J’ai l’impression que la couverture reflète la musique qu’elle contient. Pas de manière littérale, mais plutôt à un niveau subconscient. Il semble y avoir un lien.

Sur Overwintering, il est beaucoup question de perte et de deuil. Est-ce que la pandémie liée au Covid 19 a influencé la genèse et la composition du disque ?

Bobby Wratten : Cela n’a eu aucune influence. Le disque était à quelques jours d’être terminé lorsque le premier confinement a eu lieu en mars 2020. Tout était écrit et enregistré et nous avions presque fini le mixage. Mais comme vous le savez, le monde s’est détraqué. Il a fallu attendre quatorze mois de plus avant que je puisse retourner au studio. Dans le grand chaos mondial ambiant, ce n’était qu’un disque et des choses bien plus importantes se passaient dans le monde, mais c’était frustrant d’être si près de la fin et de devoir attendre.

Je comprends pourquoi vous posez cette question, car on peut lire dans le disque des choses qui n’étaient pas prévues. Une chanson comme Don’t Let The Times Define You a en fait été écrite avant Covid 19 et s’intéresse à des sujets différents. Je n’avais évidemment aucune idée de ce qui m’attendait.

Nous parlions plus tôt de changement dans le détail sur ce disque. J’en veux pour preuve cette lumière que vous laissez plus rentrer dans votre musique comme dans Delphinium par exemple :

 Watch the changing sky and feel

Another change coming on

You can leave the night and belong

Leave the night and belong

You just need a rising sun

A rising sun

A rising sun

 Qu’en pensez-vous ?

Bobby Wratten : C’est l’une des chansons qui a été élaborée par étapes. C’est le premier morceau de musique qui a été enregistré pour l’album. J’ai fait écouter la musique à Anne Mari et elle m’a dit qu’elle était pleine d’espoir, qu’elle faisait penser à un lever de soleil plutôt qu’à un coucher de soleil. Cela m’a donné l’idée des paroles. C’était une nouvelle façon pour moi d’écrire une chanson, en laissant la musique dicter le sujet. Il y a un sentiment d’optimisme et de lumière dans la chanson. Je cherchais à communiquer un message positif, mais de manière subtile. Les premières lueurs de l’aube représentent l’espoir et le ciel changeant avec l’aube représente la levée de la tristesse.

Autrefois, vous chantiez les amours perdus, aujourd’hui, vous parlez du temps qui passe et du passé. C’est quoi la mélancolie pour vous Bobby Wratten ?

Bobby Wratten : Leaf Fall is Over est la chanson qui évoque le passage du temps et cette chanson est plus une étude de personnage qu’un morceau d’autobiographie. J’avais en tête une scène particulière d’une personne âgée dans une pièce et j’ai laissé mon imagination courir avec cette image. Bien sûr, les idées viennent de moi, mais il ne s’agit pas vraiment de moi. Seule l’image “un soleil couchant, deux silhouettes” a peut-être un lien personnel. Elle fonctionne comme une image mélancolique pour moi, car la vie est devant ces deux personnes et ce moment est rappelé plutôt que vécu. Bien que l’image en elle-même soit optimiste.

Mais je ne suis pas une personne nostalgique et je ne regarde pas en arrière pour me sentir mélancolique.  Ce que la mélancolie signifie pour moi est lié à une certaine beauté. Ainsi, le passage de l’été à l’automne me fait penser à une certaine forme de mélancolie. Les feuilles qui tournent, les nuits qui se rapprochent. Mais c’est une mélancolie qu’il faut apprécier. Tout comme la mélancolie d’une plage hors saison ou le silence du crépuscule.

Puisque nous parlons de mélancolie, je trouve qu’il y a toujours eu dans vos chansons quelque chose qui ressemble à une mélancolie joyeuse, à une forme de plaisir à être dans un état de nostalgie, à ce que les habitants du Cap Vert appellent la Saudade. L’écrivain portugais Manuel de Melo définit cette saudade ainsi :

 

Un bien infligé et un mal dont on jouit.

 

N’y a-t-il pas dans votre musique un refus d’une forme de manichéisme un peu simpliste à vouloir à tout prix distinguer la souffrance et la tristesse de la joie et de l’espoir, est-ce que ces sentiments ne sont pas tous mêlés dans votre musique ?

 Bobby Wratten : J’en ai parlé un peu dans ma réponse précédente. Je comprends parfaitement l’idée de mélancolie joyeuse ou de beauté dans la tristesse, mais je rejette l’idée que cela ait quelque chose à voir avec la nostalgie. En tout cas pour moi. Je n’aime pas regarder en arrière et je suis très opposé à la nostalgie, donc je ne vois pas la mélancolie dans la musique provenant de la nostalgie du passé. Si je comprends bien la question, et j’ai dû chercher le mot manichéisme, je dirais qu’il est beaucoup trop simpliste de voir la lumière et l’obscurité comme des forces opposées qui ne se mélangent jamais. C’est pourquoi nous avons des mots tels que “aigre-doux”. Rien n’est jamais vraiment noir ou blanc. Si je peux revenir à l’image de “Un soleil couchant, deux silhouettes“. Pour moi, elle contient une certaine dose de beauté et de bonheur, car c’est une image dorée, un couple dans le présent mais avec la vie devant lui, un moment de bonheur. Mais il y a aussi le fait de savoir que c’est un souvenir, ce qui introduit un certain chagrin. Je ne pense pas qu’il soit inhabituel de dire que la vie est pleine de ces moments. Comme je l’ai dit, doux-amer.

Les années passants, pensez-vous avoir trouvé comme une forme d’équilibre dans votre vie qui s’entendrait dans votre musique ?

Bobby Wratten : La réponse honnête est que je ne sais pas. Certains jours sont équilibrés, d’autres pas tant que ça. Je sais que j’ai changé sur certains points, mais sur d’autres, je suis toujours l’enfant de 12 ans qui a acheté Armed Forces d’Elvis Costello and the Attractions. J’ai gardé cet enthousiasme maniaque pour la musique, mais j’espère apprendre quelque chose de nouveau chaque jour. La vie est faite pour apprendre et on ne cesse jamais d’apprendre. Il n’y a pas de moment où l’on arrive à un point où l’on peut dire : “Je suis maintenant qualifié et j’ai passé l’examen !”

Overwintering est sorti le 01 avril chez Elefant Records. Retrouvez la première partie de notre entretien ici. Un grand merci à Jonas d’Elefant Records pour l’organisation de cette rencontre.